Arte conceptual: características y ejemplos

Catalina Arancibia Durán

Máster en Literatura Española e Hispanoamericana

Tiempo de lectura: 11 min.

En la década del 60 surgió en Estados Unidos un movimiento artístico en que la propuesta intelectual resultaba más importante que la obra en sí misma. Se trataba de creaciones en las que predominaba la idea por sobre la ejecución material.

Así, se dio paso a la desatención de las habilidades manuales y a la falta de consideración estética en las piezas. El objetivo era impactar al público y hacerlo interactuar activamente en la búsqueda de significado.

Este cambio tuvo sus orígenes en las vanguardias europeas, pero se fue asentando con fuerza hasta la actualidad en donde la mayoría del arte se basa en los conceptos que cada autor propone.

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Ejemplos

1. Una y tres sillas - Joseph Kosuth

Joseph Kosuth (Estados Unidos, 1945) es uno de los artistas más relevantes del movimiento. En su obra decidió abandonar la intención de crear algo bello. Sus propuestas intentaban comprender la naturaleza del arte y entregar propuestas analíticas.

En 1965 expuso Una y tres sillas, una pieza esencial para entender la complejidad de la representación. En la sala de exposición instaló una silla de madera, la fotografía de la misma silla y un cartel con la definición de la palabra silla.

Una y tres sillas - Joseph Kosuth

De esta manera, hacía reflexionar al espectador sobre la forma que tenemos de entender el mundo, al plantear la pregunta ¿qué es una silla? ¿es el objeto, su definición o su representación? Así, no sólo jugaba con qué entendemos por arte, sino con el lenguaje como instrumento capaz de crear realidad.

2. El verdadero artista ayuda al mundo revelando verdades místicas - Bruce Nauman

Bruce Nauman (1941) comenzó su carrera con instalaciones en las que predominaban los conceptos. En sus palabras: "el arte es lo que el artista hace en su estudio". Según esta premisa, cualquier propuesta puede ser considerada como una obra, pues no se necesita nada más que la idea.

En 1967 realizó esta escultura conformada por tubos de neón, donde se puede leer la frase: "El verdadero artista ayuda al mundo revelando verdades místicas". Con ello, buscaba problematizar el lugar que ocupan los creadores en la realidad actual. De forma irónica se apropió de la idea del artista como un ser mítico que es capaz de transformar a la sociedad con su obra.

En una época en la que comenzaba a proliferar la producción en masa y la falta de identidad, decidió jugar con las herramientas de la propaganda y utilizar el mismo formato de los anuncios comerciales.

Así, al conformar su pieza con materiales propios del mundo moderno junto a ideales del pasado, postulaba la yuxtaposición de la alta y baja cultura. De esta manera, demostró que lo que se entiende como arte está abierto a las posibilidades que sea capaz de vislumbrar su autor.

3. Pieza dispersa - Robert Morris

Aunque Robert Morris (Estados Unidos, 1931 - 2018) fue un artista que se destacó dentro del minimalismo, también realizó algunas instalaciones de tipo conceptual.

En 1969 expuso Pieza dispersa. En una sala de la Galería Castelli en Nueva York distribuyó varios objetos producidos a partir de seis metales: acero, plomo, zinc, cobre, aluminio y latón. Fueron creados por el azar, ya que Morris utilizó una moneda y la guía telefónica para definir el largo, ancho y espesor.

Por su parte, la disposición de las piezas dependía del espacio, ya que cuando se recreó en el año 2010, se usó un nuevo orden para los elementos. De hecho, el artista afirmó que no se necesitaba su guía para definir ese detalle, pues seguía un patrón aleatorio.

Ese mismo año, publicó el ensayo Antiforma, en el que defendía que la obra de arte dependía de los materiales y del proceso más que de su realización. Por ello, sus grandes inspiraciones fueron la técnica de goteo de Jackson Pollock y de vertido de Morris Louis que intentaba trasplantar a la escultura moderna.

Así, en esta instalación decidió jugar con los elementos que había tomado el arte minimalista para exponerlos frente al público y hacer una alusión a la realidad contemporánea en donde reinan lo efímero y el despilfarro.

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4. Global Groove - Nam June Paik

Nam June Paik (Corea del Sur, 1932 - 2006) fue uno de los máximos exponentes del videoarte. Este estilo se caracteriza por la utilización de tecnología para crear obras en las que prima lo visual y audible.

En 1964 Paik se trasladó a Nueva York, donde comenzó a experimentar en la creación de esculturas formadas por televisores. Más tarde, decidió incursionar en los collages de sonido, en los que mezclaba música clásica con todo tipo de ruidos.

En 1973 expuso una instalación llamada Global Groove con monitores en los que podían verse hasta 21 secuencias. Este trabajo fue un encargo del Gobierno de Estados Unidos en el marco de la aproximación de los pueblos. Por ello, el artista utilizó imágenes de diferentes culturas, como una inda navajo tocando el tambor, una boxeadora afroamericana, danzas coreanas, bailarines de gogó y un anuncio de Pepsi-Cola.

El material lo obtuvo de emisoras públicas y recortes de sus propios trabajos. Además, decidió añadir efectos con el uso de un sintetizador, por lo que algunas figuras se distorsionaban, multiplicaban y superponían. Así, inauguró una estética en la que se mezclaban los anuncios publicitarios y el videoclip musical, que años más tarde fue perfeccionada por MTV.

Las secuencias se transmitían muy rápido, por lo que resultaba difícil de asimilar. Con esto, Paik buscaba exponer el modelo de información moderna en donde prima el exceso. Al comienzo, una voz en off afirmaba:

Este es un vistazo del nuevo mundo que existirá cuando seamos capaces de sincronizar todos los canales de televisión.

De este modo, Paik se adelantó a la realidad actual en la que con un sólo click se puede acceder a toda la información disponible en las redes. Desde esa época, el artista criticaba un sistema que impide la contemplación y reflexión de lo que se consume.

5. Urna de la dinastía Han con el logotipo de Coca-Cola - Ai Weiwei

Ai Weiwei (China, 1957) es uno de los artistas contemporáneos más importantes a nivel mundial. Luego de su visita a Nueva York, se familiarizó con los readymades de Duchamp, el pop art y el ensamblaje artístico. Estas influencias fueron vitales para la creación de Urna de la dinastía Han con el logotipo de Coca-Cola de 1994.

El título señala la unión de dos culturas. Por una parte, hace alusión al arte ancestral de su país con la referencia a una vasija de la dinastía Han (206. a.C. - 220 d.C). A esto le añade el elemento de la cultura popular occidental, que alude al sistema de consumo y marcas que predomina en el mundo moderno.

Urna de la dinastía Han con el logotipo de Coca-Cola - Ai Weiwei — Colección privada

Por medio de una intervención mínima logró un amplio abanico de significación. A nivel material, simplemente realizó un dibujo a mano con las letras clásicas de Coca-Cola. Así, logró reflejar las relaciones político-culturales entre China y el mundo occidental.

De igual modo, resulta una reflexión sobre la dinámica que se genera entre la tradición y el progreso. La urna puede entenderse como un símbolo de la historia de China, mientras que el logotipo representa a la sociedad capitalista de Occidente.

Otro aspecto importante es la distinción que se hace en relación a la artesanía y el arte. Mientras que la cerámica china tenía asociados ciertos valores culturales y estéticos, el símbolo de Coca-Cola es un guiño al pop art. Con esto, el acerbo cultural propio se rotula con un signo occidental. Por ello, depende del público analizar si con la mezcla se acrecienta o se resiente el valor del objeto artístico.

6. Cuace - Olafur Eliasson

Aunque el arte conceptual surgió en los sesenta, es un estilo que sigue completamente vigente en la actualidad. Esto puede notarse en las instalaciones que hace el artista Olafur Eliasson (Dinamarca, 1967) en las que busca intervenir el espacio y acercar a la gente a los fenómenos naturales como la luz y el agua.

El año 2014 en el Museo de Arte Moderno de Louisiana (Estados Unidos) expuso Cauce, en donde quiso trasladar el ambiente externo a un espacio cerrado. Su idea era cuestionar la experiencia de asistir a un museo o galería artística como una actividad pasiva.

Por ello, invitaba al espectador a caminar por la muestra para así tratar de asimilar lo que significa interactuar con los espacios en la era moderna. Se trata de disfrutar el paisaje y dejarse arrastrar por la experiencia sensorial, permitiendo que sea el público quien reflexione sobre lo experimentado.

Antecedentes

El siglo XX cambió la perspectiva sobre el arte radicalmente. Junto a los acelerados cambios del mundo (como la revolución industrial y los descubrimientos científicos), los artistas buscaron desligarse de la tradición.

De hecho, las vanguardias modificaron el concepto de lo que podía entenderse como obra artística, promoviendo la libertad expresiva. Así, movimientos como el futurismo, el cubismo y el surrealismo, entre otros, abogaron por la transformación de los soportes, los métodos y la manera de plantear la subjetividad.

Una de las grandes revoluciones de este periodo corresponde a Fuente (1917) de Marcel Duchamp (1887 - 1968), la primera obra de arte conceptual en la historia.

A modo de provocación, el artista compró un urinario y decidió instalarlo en una exposición. Con ese gesto, rompió los cánones de lo que se esperaba del arte, pues planteó un objeto manufacturado como pieza artística.

Fuente Duchamp 1917 — Tate Modern, Inglaterra

A partir de este momento, la obra dejaba de ser una creación del artista y se convertía en una experiencia estética que desafiaba al espectador. Lo más importante no era la calidad o la composición, sino que la expresión de una idea que buscaba remecer al público.

Por ello, dejó de importar si el artista creaba con sus manos y utilizaba elementos que ya existían por sí mismos, pues lo esencial era romper con lo definido por la academia. Es el surgimiento del "ready made", el objeto encontrado que cobra sentido al ser dispuesto por el artista.

La influencia de Duchamp en el arte moderno resultó vital, pues se convirtió en una herramienta de crítica. Su búsqueda se relacionó con transmitir ideas y hacer reflexionar, así como jugar y reinterpretar lo que el mercado producía.

Surgimiento del arte conceptual

La expresión arte de concepto apareció por primera vez en Estados Unidos en 1961. El artista Sol LeWitt fue el primero en exponer sus postulados en Párrafos sobre arte conceptual (1967) y Enunciados sobre arte conceptual (1969). En ellos, defendía que la idea debía convertirse en el motor del arte. En su visión, los artistas conceptuales son místicos más que racionales, pues llegan a conclusiones que la lógica no puede alcanzar.

Luego, en 1969, Joseph Kosuth declaró que "desde Duchamp, todo el arte es conceptual porque sólo existe conceptualmente". De este modo, las creaciones se convierten en un desafío mental, en donde lo más relevante es el planteamiento de la obra. Debido a esto, la realización material se convierte en una preocupación superflua.

Asimismo, los artistas decidieron criticar las formas tradicionales de comercialización, por lo que quisieron abandonar la consideración de su trabajo como objeto decorativo para clientes dispuestos a pagar mucho dinero. Desde entonces, lo más relevante tiene que ver con el impacto que se genera en el gran público.

Bilbiografía

Holzwarth, Hans Werner y Taschen, Laszlo (Eds.). (2011). Arte Moderno. Una historia desde el impresionismo hasta nuestros días. Taschen.
Kalina, Richard. (2010). "Robert Morris: The Order of Disorder". Art in America, 26 de abril.
Weiss, Jeffrey. (2012). "UNTITLED (SCATTER PIECE) 1968-69". Art Unlimited, N° 43, Junio 14 - 17.
Zeldes, Jason. (2019). Abstract. Temporada 2, capítulo 1: "Olafur Eliasson: The Design of Art". Netflix.

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