¿Qué es una escultura?: 15 obras famosas que debes conocer
Dentro del mundo del arte, la escultura representa uno de los trabajos más complejos e increíbles, pues requiere de mucha habilidad.
Desde el mundo griego hasta la actualidad, aquí puedes descubrir ejemplos de las obras más famosas de la historia.
1. David - Miguel Ángel
Miguel Ángel (Italia, 1475 - 1564) fue uno de los artistas más importantes del Renacimiento y se caracterizó por mezclar la tradición clásica grecorromana con motivos del cristianismo.
Sin duda, El David es una de las esculturas más famosas del mundo. Su imponente tamaño de más de cinco metros de altura y la perfección de la figura han hecho que sea parte del imaginario colectivo.
En sus inicios, el enorme bloque de mármol de Carrara fue encomendado a otros artistas que rechazaron el trabajo por su dificultad, ya que el material no era compacto, presentaba muchas vetas y resultaba demasiado estrecho.
Sin embargo, en 1501 Miguel Ángel decidió aceptar el desafío. Para él, se trataba de liberar la forma que ya estaba ahí. El trabajo le tomó cuatro años y se convirtió en el ideal de belleza masculina. El nivel de detalle resulta impactante, pues se pueden apreciar los músculos, las venas y un rostro que refleja determinación a través de la intensidad de su mirada.
De hecho, Giorgo Vasari en su libro Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabue hasta nuestros tiempos, afirmó:
Cualquiera que haya visto al David no tiene necesidad de ver otra cosa de ningún otro escultor vivo o muerto.
La estatua representa al David bíblico que con su astucia venció a Goliat. La novedad es que el artista decidió evitar el tema del triunfo, que ya tantos otros habían hecho, y lo retrató en el momento previo a lanzar la piedra.
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2. Venus de Milo
Esta es una de las esculturas más famosas de la Antigüedad Clásica, situada en la época helenística. Es reconocida por su postura, apoyada en un pie, que le otorga una apariencia sinuosa y sensual. Dentro del arte occidental, la Venus de Milo representa el paradigma de belleza ideal, debido a su proporción, equilibrio y simetría.
Fue encontrada en 1820 en la Isla de Minos (Grecia) y se asoció inmediatamente a Venus por el erotismo presente en su composición.
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3. Venus de Willendorf
Esta es una de las esculturas más famosas en la historia del arte, ya que es una de las más antiguas de las que se tiene registro.
Fue encontrada en 1908 en Willendorf (Austria) por el arqueólogo Josef Szombathy. Lo más sorprendente fue el estado de conservación. A pesar de ser del periodo Paleolítico y tener 20 mil años de antigüedad, estaba casi intacta.
Tallada en piedra caliza, teñida con un pigmento ocre, mide apenas 11 centímetros de alto. Representa a una mujer sin rostro de caderas amplias y senos abundantes. El hecho de que estos aspectos estén tan exagerados hizo que los especialistas la consideraran como un ícono de fertilidad y la denominaran Venus, en honor a la diosa romana.
4. El beso - Auguste Rodin
Auguste Rodin (Francia, 1840 - 1917) es considerado el padre de la escultura moderna, pues su obra funcionó como visagra entre el estilo más tradicional y el vanguardista.
Esta es una de las esculturas más populares en el imaginario colectivo y fue confeccionada en 1882. Representa a Paolo y Francesca, personajes de La divina comedia (1472) de Dante Alighieri que fueron asesinados por el marido de la joven cuando los descubrió besándose.
Los cuerpos de los amantes se funden como si fuesen uno solo, mostrando la pasión e intimidad del momento. En ella, se pueden apreciar dos texturas distintas. Así, los cuerpos son pulidos, mientras que la roca sobre la que descansan revela la porosidad del material.
5. Éxtasis de Santa Teresa de Gian Lorenzo Bernini
Gian Lorenzo Bernini (Italia, 1598 - 1680) es uno de los escultores más famosos en la historia del arte. Gran representante del barroco, en su obra abunda la perfección anatómica, la teatralidad y el retrato psicológico de los personajes. Así, sus esculturas cuentan una historia, donde los protagonistas parecen cobrar vida.
Éxtasis de Santa Teresa (1652) es considerada su obra maestra. En ella, muestra a Santa Teresa de Ávila en el momento en que recibe el don místico de la transverberación, es decir, cuando ocurre la unión íntima con Dios.
La escultura se caracteriza por su fuerza e intensidad dramática, particularmente el rostro de la mujer, que evidencia el momento justo en que su corazón es atravesado por la gracia del Señor a través del ángel.
Es este detalle el que ha calado en el imaginario colectivo, pues Bernini pasó a la historia como quien fue capaz de esculpir un orgasmo. Se muestra el lado erótico en la posición de entrega del cuerpo, así como en la mezcla de dolor y satisfacción del semblante.
6. La bailarina - Edgar Degas
Edgar Degas (Francia, 1834 - 1917) fue uno de los artistas más célebres de su época. Aunque se le suele vincular al Impresionismo, se inclinaba más hacia el realismo y su obra se centra en el retrato de la figura humana, particularmente las bailarinas que fueron su tema preferido.
En la década de 1880, Degas comenzó a perder la vista y decidió enfocarse en la escultura. Pese a que en su época La pequeña bailarina de 14 años (1881) fue fuertemente criticada, hoy es un ícono de la escultura moderna.
Su inspiración fue Marie van Goethem, estudiante de danza. Confeccionada en cera, representa a una joven bailarina de manera hiperrealista. Fue hecha con cabello de verdad, vestida con un corsé, tutú y calzada con zapatillas de ballet.
El tema se salía por completo de lo que se esperaba para el periodo, pues las esculturas solían retratar a dioses, figuras alegóricas o de la literatura. Esta vez se trataba de una chica contemporánea, de clase trabajadora y de una profesión que en aquellos años era considerada de moral dudosa.
Lo más interesante es su postura. Si bien parece una figura vulnerable, sus hombros erguidos y su rostro demuestran el orgullo que detenta ante los ojos del mundo.
Tras la muerte del artista se realizaron más de treinta versiones en bronce que se encuentran en diversos museos del mundo. La original se encuentra en la Galería Nacional de Arte en Washington, Estados Unidos.
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7. Mamá - Louise Bourgeois
Louise Bourgeois (Francia, 1911 - 2010) fue una destacada artista que ejerció una importante influencia en el mundo de las instalaciones. Su obra trabaja temas como la soledad, el peligro, la pasión y la vulnerabilidad. En sus palabras: "Es mi especialidad: dar sentido a la frustración y al sufrimiento".
Aunque el motivo de la araña apareció en su producción en los años cuarenta en algunas ilustraciones, no fue hasta los noventa donde se popularizó en una serie de diez esculturas que se encuentran en lugares como Inglaterra, Japón, Corea, Canadá y Qatar.
Entre ellas, la más importante es Mamá (1999), situada afuera del Museo Guggenheim de Bilbao, en España. Esta monumental obra de acero tiene más de nueve metros de altura. Su figura representa fuerza y fragilidad al mismo tiempo.
La escultura es una referencia a su propia madre. Si bien la araña puede resultar aterradora, también es una criatura sumamente laboriosa y cuidadora. La artista declaró:
La araña es una oda a mi madre. Era mi mejor amiga. Como una araña, mi madre era tejedora. Mi familia se dedicaba a la restauración de tapices y mi madre estaba a cargo del taller. Como las arañas mi madre era inteligente, útil y protectora.
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8. Nefertiti
Este busto de 48 centímetros representa a Nefertiti, la reina más bella de todo Egipto y data del siglo XIV a.C. Realizado en piedra caliza policromada y recubierto en yeso para modelar los detalles, es una de las piezas más representativas del arte egipcio.
Fue encontrado en 1912 durante las excavaciones arqueológicas alemanas en Amarna por el arqueólo Ludwig Borchardt. A pesar de que las orejas están algo dañadas y de que le falta el ojo izquierdo, se halla en muy buenas condiciones.
La figura se ha descrito como el modelo de belleza femenino del periodo, con un rostro que muestra una perfecta simetría y un cuello más largo de lo normal que estiliza el conjunto. El tocado lleva los símbolos del poder y el color azul representa la fertilidad, tal como el río Nilo.
Se trata de una representación bastante peculiar, pues proviene del reinado del faraón Amenofis IV, esposo de Nefertiti. Al acceder al poder, realizó una revolución cultural y religiosa. No sólo cambió la capital, sino que declaró el monoteísmo, centrado en Atón. Esto llevó a un tipo de arte más cercano a lo real, del que este busto es una muestra.
9. El pensador - Auguste Rodin
La imagen de un hombre pensativo e inmerso en sus reflexiones se ha convertido en una de las esculturas más icónicas en la historia de la humanidad. Rodin declaró: "Lo que hace que mi pensador piense es que él piensa con todo su cuerpo".
La obra surgió a raíz de otra de sus piezas más famosas, Las puertas del infierno. Conformada por diversas figuras y tomando como inspiración la novela La divina comedia (1472) de Dante Alighieri, en el conjunto situó una representación del autor meditando sobre su creación.
Así fue como en 1904 decidió hacer la misma figura en solitario y formato más grande (1,8 metros), logrando un enorme éxito entre la crítica y el público. Debido a esto, se realizaron varias copias más en bronce que hoy se encuentran distribuidas en distintos lugares del mundo.
10. Ballon dog (azul) - Jeff Koons
Jeff Koons (Estados Unidos, 1955) es uno de los artistas actuales más controversiales, debido a una obra en la que prima el exceso. Se hizo famoso en la década de los 80 como el máximo representante del arte kitsch, basado en una estética recargada y de “mal gusto”.
Ballon dog es una de sus obras más destacadas. Representa a un perro hecho de globos inflados, típico de fiestas de cumpleaños o carnavales, dirigidos a un público infantil.
Entre los años 1994 y 2000 realizó esta serie de esculturas. Para su realización utilizó elementos industriales, ya que están hechas de acero inoxidable pulido con revestimiento de color. Existen cinco versiones en azul, magenta, amarillo, naranja y rojo. Lo que más llama la atención son sus grandes dimensiones (307.3 x 363.2 x 114.3 cm), ya que decide jugar con la escala para hacer aún más llamativo su proyecto.
Aquí se trata de la propuesta, pues tomó un objeto de valor mínimo, efímero, perteneciente a la cultura de masas y quiso otorgarle su lugar como obra de arte. Se trata de convertir lo menos imaginado en una pieza artística.
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11. La virgen del velo - Giovanni Strazza
Esta es una de las esculturas "veladas" más famosas en la historia del arte y fue creada por el italiano Giovanni Strazza (Italia, 1818 - 1875) en 1856.
El busto muestra a la Virgen María con los ojos cerrados y la cabeza inclinada hacia abajo, demostrando su piedad y devoción. Si bien es una representación usual para el periodo, lo que llama la atención es la creación increíblemente realista del velo.
Durante el siglo XIX se popularizó realizar figuras envueltas en velos, pues permitía demostrar la destreza del artista al ser capaz de que elementos sólidos asemejaran telas. Fue realizada en mármol de Carrara, un material que solían utilizar los artistas italianos del Renacimiento.
12. Psique reanimada por el beso del amor - Antonio Cánova
Antonio Cánova (Italia, 1757 - 1822) fue el principal escultor del movimiento neoclásico y encontró su inspiración en el mundo griego y romano.
La obra fue realizada en mármol blanco entre 1787 y 1793. Significó un regreso a la armonía y las proporciones de la escultura clásica.
Este es uno de los besos más famosos del arte, aunque en estricto rigor todavía no se lo han dado. Muestra con dinamismo dos figuras que demuestran pasión y cariño al mismo tiempo. Destaca por su perfección y una composición a partir de formas geométricas, ya que los personajes asemejan una x con sus cuerpos, mientras los brazos de la mujer crean un círculo.
Aquí se cuenta la historia de amor entre Eros y Psique. La diosa Afrodita estaba muy celosa de la belleza de la humana Psique, por lo que envió a su hijo Eros (llamado Cupido en la mitología romana) a que le lanzara una flecha para que se enamorara del hombre más feo del mundo.
Al verla, fue el joven quien se enamoró perdidamente y le fue imposible llevar a cabo el plan de su madre. Así, trasladó a la chica a un sitio seguro y la visitaba por las noches para que no pudiera reconocerlo. Sin embargo, la curiosidad la venció y luego de que su amante se durmiera, encendió una lámpara y descubrió su identidad.
Debido a esta traición, Eros la abandonó y Psique se dedicó a vagar por el mundo, perseguida por la ira de Afrodita. De este modo, la diosa la sometió a todo tipo de pruebas, entre ellas descender al inframundo para buscar un cofre que no debía abrir. Al hacerlo, cayó en un profundo sueño.
Cuando Eros se enteró de esto, fue en su rescate y luego consiguió el permiso de Zeus para hacerla su esposa e inmortal como el resto de los miembros del Panteón.
Este relato cautivó profundamente al artista y realizó varias composiciones basándose en él. Lo que más le atraía era cómo calzaba con las teorías platónicas del amor como aspiración a la belleza ideal y espiritual. Eros simboliza el amor carnal y Psique el amor filosófico (su nombre significa alma en griego), emociones contrarias, pero complementarias.
13. Cloud Gate - Anish Kapoor
Anish Kapoor (India, 1954) es uno de los escultores contemporáneos más reconocidos y Cloud gate (2006) es uno de sus obras más famosas.
Se encuentra emplazada en el Parque del Milenio en Chicago, Estados Unidos, y está compuesta por 168 placas de acero inoxidable. La inspiración del artista fue la apariencia del mercurio, metal que puede encontrarse adentro de los termómetros.
La superficie pulida asemeja a un espejo que es capaz de reflejar el cielo, a las personas que pasan y el resto del parque. Lo interesante es que su forma hace que cualquier imagen se distorsione e invita al público a interactuar con ella. De hecho, está diseñada para situarse debajo e, incluso, tocarla.
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14. Victoria alada de Samotracia
La victoria alada de Samotracia es una de las esculturas más destacadas de la Grecia clásica. Representa a Niké, diosa de la victoria apoyada sobre la proa de un barco. El movimiento de su ropa da entender que el viento sopla sobre ella y su postura indica sensualidad. Se calcula que fue realizada alrededor del año 190. a.C.
Está tallada en mármol blanco y mide 2,75 metros. Por su parte, la base es de mármol gris y hace que la estatua llegue casi a los 6 metros. Lo que más ha llamado la atención es la realización de la ropa, que sigue el estilo drapeado y de "paño mojado", demostrando la maestría del trabajo.
Fue encontrada en 1863 en la isla griega Samotracia por Charles Champoiseau, miembro del cuerpo diplomático francés. Por ello, fue trasladada a Francia. Hoy existen varios reclamos para que vuelva a su lugar de origen.
Aunque Niké solía ser representada como un valor universal, el hecho de que se encuentre sobre una proa ha hecho especular a los expertos que fue creada para conmemorar una victoria naval. Hoy se cree que puede haber sido el triunfo de Samotracia sobre Antioco III, rey de Siria.
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15. El hombre que camina - Alberto Giacometti
Alberto Giacometti (Suiza, 1901 - 1966) fue un destacado pintor y escultor en cuya obra trabajó temas como la soledad del individuo moderno. El filósofo y escritor Jean Paul Sartre lo definió como "el artista existencialista perfecto ... a mitad de camino entre el ser y la nada".
Es reconocido por sus figuras alargadas y extremadamente delgadas que representan a un ser anónimo. La más famosa es El hombre que camina (1961), donde se transmite la sensación de fragilidad junto a la determinación.
De bronce, tamaño natural y textura rugosa muestra a un hombre que parece cansado ante el peso de la existencia. Sin embargo, se apoya firme en sus pies y avanza a pesar de las adversidades. Su carácter ambiguo hace que resulte identificable a un amplio público.
Su inspiración provino de una amiga, la modelo Isabel Lambert. Una noche se despidieron y el artista la observó alejarse. Cada vez su figura se veía más pequeña, pero seguía manteniendo su intensidad. Por ello, quiso plasmar esta idea de la disolución del cuerpo humano hasta transformarse en un ser incógnito.
¿Qué es una escultura?: Historia y características
La escultura es un tipo de expresión artística que consiste en crear obras tridimensionales al esculpir sobre materiales sólidos.
Es una de las manifestaciones más antiguas del arte, pues los primeros registros datan de hace 38.000 años. En Egipto, Mesopotamia, Grecia y Roma se encontraban presentes en palacios, templos y tumbas. Así, funcionaban de manera ritual, decorativa y también para demostrar la grandeza de una nación. Solían representar a dioses o gobernantes.
Los materiales que se utilizan para su creación son muy variados. De este modo, puede ser barro, piedra, madera, mármol, cera, yeso y metales como bronce, hierro, cobre, plata y oro. En la actualidad también se usan materiales industriales como resinas y plásticos.
Existen diversas técnicas para realizar las obras. En la antigua Grecia, era común esculpir sobre el mármol para "revelar" la figura. Así, al emplear elementos como la piedra o la madera, es necesaria la ayuda de un cincel y una lija, mientras que para componentes blandos como el barro, basta con el modelado manual.
En la Antigüedad lo más importante era realizar una figura lo más realista posible. En cambio, hoy en día, predomina la visión del artista, por lo que se pueden encontrar formas geométricas o abstractas.
Tipos
Escultura de busto redondo
También llamada estatua. Se trata de figuras independientes, que no están unidas a ninguna superficie. De esta forma, son tridimensionales y pueden observarse desde cualquier punto. Representan personas o animales.
Escultura de relieve
Son aquellas que están talladas sobre una superficie plana. Suelen utilizarse como decoración en el frente de templos, monumentos o edificios.
Bustos
Representan la parte superior (cabeza, hombros y pecho) de personajes de gran importancia. Fueron de gran relevancia en el Imperio Romano para retratar a figuras públicas o dioses.
Torsos
Se componen de figuras humanas, representadas sin cabeza ni brazos.
Cinéticas
Surgieron en la década del 60. Están diseñadas para moverse o dar sensación de movimiento. Su objetivo principal es jugar con el efecto visual.
Bibliografía:
- Bolaños Atienza, María. (2007). Interpretar el arte a través de las obras maestras y los artistas más universales. Contrapunto.
- Ciuccetti, Laura. (2004). Miguel Ángel: El David. Giunti.
- Grosenick, Uta. (2005). Mujeres artistas de los siglos XX y XXI. Taschen.
- Hodge, Susie. (2020). Breve historia de las mujeres artistas. Blume.
- Vasari, Giorgio. (2017). Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabue hasta nuestros tiempos. Cátedra.
Ver también:
