10 películas esenciales de Pedro Almodóvar

Revisado por Catalina Arancibia Durán

Máster en Literatura Española e Hispanoamericana

Tiempo de lectura: 10 min.

Pedro Almodóvar es el director de cine español más internacional después de Luis Buñuel. Su filmografía nace en las entrañas de una España dolida que aún se tenía que acostumbrar a la modernidad.

Su obra cinematográfica empezó como una especie de “juego” que invitaba a la libertad de expresión. Hoy es considerada como un valioso legado, pues encierra humor y surrealismo, identidad y estilo propio.

1. Todo sobre mi madre (1999)

Todo sobre mi madre supuso el éxito internacional del director al obtener numerosos reconocimientos, entre ellos, el Oscar a mejor película extranjera. Es una comedia inspirada en un clásico, en la obra teatral de Tennessee Williams, aunque la escribió y dirigió el propio Almodóvar.

La película aborda una lucha femenina: la batalla de Manuela, una madre soltera que ve morir a su hijo de 17 años. Después de la tragedia, decide volver a Barcelona, ciudad donde vivió en el pasado, para buscar al padre de su hijo.

El filme es una tragedia que habla sobre la soledad, la familia y la diversidad de género, temas muy presentes en la filmografía de Almodóvar. Cuenta con un argumento muy atractivo que atrapa al espectador desde la primera escena hasta la última gracias a un tono más lento, melancólico y reflexivo, a diferencia de otras de sus películas.

2. Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988)

Cartel de la película Mujeres al borde de un ataque de nervios.

Es una de las cintas más famosas del director, ya que supuso su primera nominación al Oscar a la mejor película de habla no inglesa y, con ello, el salto internacional de su carrera.

Es una comedia que roza el melodrama y que ofrece, de una forma retorcida, las profundidades de las relaciones humanas a través de personajes que expresan sus preocupaciones más íntimas. También se mezclan las situaciones humorísticas con los elementos más trágicos.

Uno de los aspectos más destacados es el carácter peculiar de sus personajes. Todos muestran desesperación ante las situaciones más disparatadas. Asimismo, resulta esencial el papel femenino, que supone un canto sobre la soledad y la búsqueda de felicidad de sus protagonistas.

3. Hable con ella (2002)

Es una de las películas más destacadas del Almodóvar. Se puede considerar una de las muchas obras maestras del director.

A diferencia de otros filmes del cineasta que presentan personajes femeninos y su particular relación con el mundo que les rodea, aquí los papeles masculinos juegan un papel relevante.

Hable con ella es un melodrama que centra su discurso en las emociones de los protagonistas, dos hombres que cuidan a sus enamoradas mientras están en coma.

A lo largo de la cinta, se muestran temas como la muerte, la violación o las relaciones personales. Gracias a esto, el director consigue manipular y guiar al espectador a lo largo de toda la narración.

4. La mala educación (2004)

Este filme gira en torno a la historia de Ignacio y Enrique, dos hombres que se encuentran después de muchos años. Ambos pasaron su infancia en un colegio de sacerdotes y fueron víctimas de abusos sexuales por parte de uno de ellos.

Es una película protagonizada por hombres que indaga sobre la identidad sexual de los personajes, tema recurrente en el cine del director.

Puede que La mala educación sea una de las mejores películas de Almodóvar sobre la homosexualidad, pero una de las razones que la hacen tan grande es la exposición de su historia personal en su argumento.

5. Volver (2006)

Este filme vuelve a poner de manifiesto el protagonismo femenino y su complejo mundo interior. Al principio, la película parece otro melodrama más. Sin embargo, la historia da un vuelco y ofrece como resultado un argumento casi cómico.

La trama supone un retrato de la vida de Raimunda, una mujer que lucha ante la adversidad y que comparte su existencia con un obrero en paro y su hija adolescente.

Uno de los aspectos que más sorprende es el argumento basado en historias de fantasmas. La madre de Raimunda, interpretada por Carmen Maura, vuelve del más allá para hablar con sus hijas.

Tras su estreno, obtuvo numerosas nominaciones, pues el director conjuga a la perfección un melodrama protagonizado por mujeres y unos diálogos magistrales. Además, hay a una magnífica interpretación por parte de las actrices protagonistas.

6. La piel que habito (2011)

Esta película está basada en la novela Tarántula, del escritor Therry Jonquet. A diferencia del melodrama que el director acostumbra plasmar en sus obras cinematográficas, La piel que habito sobresale en forma de thriller psicológico. Supone una de las historias más creativas del autor, si tomamos como referencia un guion lleno de sorpresas y giros inesperados.

Un experimentado Antonio Banderas encarna al Dr. Ledgard, cirujano plástico que intenta crear una nueva piel, después de que su esposa falleciera víctima de un accidente de tráfico. La obsesión por conseguir su objetivo lo hace cruzar la línea de la legalidad y convertirse en un criminal.

En cuanto a la temática, se trata de una de las obras más exquisitas y comprometidas de la filmografía del director, que puede generar en el espectador tanta curiosidad como rechazo, a partes iguales.

7. Los abrazos rotos (2009)

Cartel de la película Los abrazos rotos.

Es una de las cintas más largas de su filmografía y puede describirse en una sola palabra: metacine, ya que se centra en un cineasta dentro del propio medio cinematográfico.

Los abrazos rotos presenta un drama independiente que narra la historia de Mateo Blanco, un guionista y exdirector ciego que relata cómo era su vida antes de perder la visión tras un accidente y cómo fue su historia de amor con una actriz. En su vida diaria es atendido por Judit, que fue su asistente de producción en el pasado, y por su hijo Diego.

La trama se enfoca en el presente de Mateo, aunque el uso de flashbacks muestra recuerdos, coomo su primer encuentro con Lena, el amor de su vida. Aunque comienza siendo un melodrama que poco a poco se va relajando.

La puesta en escena es uno de los elementos más característicos, ya que está rodada en tonos llamativos y hace un uso magistral de las formas geométricas.

8. La ley del deseo (1987)

La ley del deseo es una obra maestra del cine queer. En la película, Almodóvar se refiere sin tapujos a temas como la homosexualidad y la transexualidad. Forma parte de su primera etapa como creador y en ella forja las bases de un cine de carácter melodramático.

La historia se desarrolla en torno a la relación de Pablo, un director de cine homosexual, y Antonio, un actor. Ambos se conocen en el estreno de una película después de que la pareja de Pablo pusiera punto y final a su relación. Entonces, el director se obsesiona con Antonio, un hombre posesivo. Una joven Carmen Maura interpreta a Tina, la hermana transexual de Pablo.

Con esta película, el cine de Almodóvar se va perfeccionando técnicamente. Con respecto a cintas anteriores, destaca por una composición de planos más limpia.

La temática y el argumento van perfilando la línea de cine de autor que tanto caracteriza a sus filmes, debido a la dificultad de encasillarlas en un género en concreto.

9. Julieta (2016)

Esta película es una adaptación literaria, inspirada en tres relatos que aparecen en el libro Escapada de la escritora canadiense Alice Munro.

Es la vigésima cinta de Almodóvar y narra el drama de una mujer que intenta aceptar la desaparición de su hija. Un día, Julieta se encuentra con una amiga de su hija. Este hecho le hace despertar los recuerdos acerca de lo sucedido y decide escribirle una carta a la joven explicándole su historia desde el día en que conoció a su padre.

Se trata de un filme que indaga sobre el sentimiento de culpa, los secretos y mentiras que rodean una vida. Las actrices españolas Adriana Ugarte y Emma Suárez encarnan a Julieta en el pasado y en el presente, respectivamente.

Sin duda, es una de las películas más logradas de su filmografía, ya que encuentra un perfecto punto de equilibrio entre técnica visual y fuerza emocional. Además, hace reflexionar sobre la complejidad de la vida a través de una mirada hacia el pasado.

10. Dolor y gloria (2019)

Dolor y gloria es el último éxito del cineasta y su estreno ha supuesto el culmen de su carrera. Está protagonizada por un excepcional Antonio Banderas que interpreta a Salvador, un exitoso director de cine que, en el ocaso de su carrera, recuerda su infancia en Paterna, en los años 60, y su posterior juventud en el Madrid de los años 80.

Salvador lo ha dado todo por el cine, su vida no se entendería sin el medio cinematográfico. Para el espectador es casi imposible no empatizar con el declive emocional del protagonista que trata de luchar con su pasado y que no entiende su vida sin su arte, el motor que lo ha impulsado a seguir adelante.

Si bien no existe certeza de que el argumento gire en torno a la vida del propio Almodóvar, no cabe duda de que en su guion se abre la posibilidad para el espectador. De manera sincera y delicada, expone los detalles más ocultos de la vida de un director de éxito, en los que el propio Almodóvar podría reconocerse a sí mismo.

Biografía de Pedro Almodóvar

Nació en 1949 en Calzada de Calatrava, una pequeña localidad manchega. Durante su juventud se trasladó a Madrid, su tierra de adopción, donde comenzó a trabajar como actor de teatro y escritor de fotonovelas. Aquí también grabó sus primeros cortometrajes de temática provocadora.

En los años 80 formó parte del movimiento contracultural más importante de la década, conocido como "movida madrileña". Fue entonces cuando grabó su primer largometraje: Pepi, Lucy, Bom y otras chicas del montón (1980). La temática provocativa y la construcción de personajes extravagantes delinearon el estilo cinematográfico que lo caracterizara y que lo acompañará a lo largo de su recorrido.

Su carrera como director internacional se consolidó con el estreno de Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988). Desde entonces, su obra cinematográfica no ha dejado de cosechar éxitos y ha recibido innumerables reconocimientos en los premios más importantes del cine. Uno de los más relevantes ha sido el León de Oro de Honor de la edición 76 de la Mostra de Venecia.