10 películas esenciales de David Lynch explicadas y analizadas
David Lynch es un director de cine estadounidense y una de las figuras más destacadas del panorama cinematográfico.
A lo largo de su carrera ha sido especialista en perturbar al espectador y atraparlo en su singular universo “lyncheano”, en el que predominan los sueños y las realidades oníricas inspiradas en el surrealismo.
Sus cintas, que se alejan del prototipo de cine comercial, hacen que el público se sumerja en ellas para intentar comprender un mundo lleno de confusión, donde sobresale la exploración del universo interior del ser humano.
Lynch es un maestro del séptimo arte y cada una de sus historias destaca por la dificultad de sus argumentos inverosímiles, una narrativa compleja y una puesta en escena sobresaliente.
Su filmografía impactante y aterradora revela un talento descomunal, que solo puede ser comprendido con el visionado de sus obras. Estas son las diez películas de uno de los directores con más personalidad del panorama cinematográfico.
1. Cabeza borradora (1977)
Cabeza borradora (Eraserhead) es el primer largometraje de David Lynch. Su rodaje se dilató cinco años.
El argumento, poco usual, gira entorno a un joven, Henry Spencer, que va a cenar a casa de su novia Mary. Allí se entera de que ésta ha tenido un bebé suyo, un ser amorfo y grotesco que emite ruidos extraños, al que Mary abandona y deja a su cargo.
Es una película catalogada dentro del cine de culto, en la que algunas escenas resultan muy impactantes para el espectador. Es, precisamente, la imagen uno de los elementos más destacados del filme ya que recrea un mundo onírico y del subconsciente. Comparable con filmes como Metrópolis (1926) o Un perro andaluz (1929), si atendemos a la estética surrealista.
Una obra estimulante con la que, quizá, Lynch quiso despertar el horror y la inquietud del espectador.
2. El hombre elefante (1980)
El hombre elefante (The Elephant Man) es el segundo largometraje del director. Uno de los alicientes principales del filme es que su argumento está basado en una historia real, la de Joseph Merrick, un hombre que se hizo popular por sus deformaciones congénitas.
La historia gira entorno a Frederick Treves, un joven cirujano, que se encuentra con el hombre elefante durante un espectáculo circense de Londres. A partir de ese momento lo utiliza como ejemplo en sus charlas sobre medicina.
La obra audiovisual esconde una temática de humanidad y una valiosa enseñanza: la importancia de la belleza interior frente a los defectos físicos. Lo consigue a través de un personaje que inspira rechazo y que trata de vencer los prejuicios. Sin duda, un mensaje universal que condecoró la carrera cinematográfica del director.
3. Dune (1984)
Esta película es una adaptación de la novela homónima de Frank Herbert que se establece entre el género épico y el de ciencia ficción. Aunque esta cinta no es la mejor de la filmografía del director, es esencial para comprender su carrera. Es una demostración de cómo un gran presupuesto no es sinónimo de una gran cinta.
El argumento futurista gira entorno a la familia Atreides que, debido a una orden imperial, tiene que encargarse de la explotación del planeta Arrakis (Dune), donde se encuentra la única droga que permite los viajes espaciales. Para ello, tendrá que luchar contra la familia Harkonen, enemigos que habían gobernado antes en el planeta y dejaron mella en la población.
Así, Leto Atreides viaja al desierto con la intención de derrocar a sus adversarios. Una vez allí, tiene que lidiar con diferentes amenazas y pone en peligro su seguridad.
Si bien la película ha sido una de las más criticadas del director por ser una adaptación poco “fiel” a la novela y por tener una narración lenta, de ella podemos subrayar su maravillosa puesta en escena y fotografía.
4. Terciopelo azul (1986)
Es, a juicio de muchos espectadores, una de las mejores cintas del director. El cineasta, por su parte, la describe como “una historia de amor y de misterio. Trata de un tipo que se encuentra en dos mundos, uno agradable y el otro sombrío y aterrador”.
La historia se desarrolla en la ciudad de Lumberton. Allí, Jeffrey Beaumont encuentra una oreja humana cortada en un contenedor cercano a su casa. Después decide exponerle el caso al detective Williams, que le pide que no lo cuente a nadie. A partir de ese momento, se ve envuelto en una serie de acontecimientos extraños y peligrosos.
Esta cinta es un retrato sobre la crueldad y la violencia sexual en la que pone de manifiesto el horror, los trastornos mentales y el lado más oscuro de la sociedad.
5. Corazón salvaje (1990)
Este filme es una adaptación de la novela homónima del escritor Barry Gifford y fue ganadora de la Palma de Oro en 1990 en el festival de cine de Cannes.
Es una historia, en forma de road movie, cuyos ingredientes principales son: una historia de amor loca y una ruta en carretera.
Nicolas Cage y Laura Dern encarnan a Sailor Ripley y Lula Fortune, una pareja que escapa en busca de la felicidad. Para ello, huyen de la madre de la joven, quien ha contratado a un asesino a sueldo para que mate a Sailor.
En este filme se pueden encontrar referencias a El mago de Oz (1939) de Victor Fleming y una parodia de las películas de Elvis Presley.
6. Twin Peaks: Fuego camina conmigo (1992)
Esta ficción es una precuela de la serie de televisión Twin Peaks (1990), también muy recomendable dentro de la obra audiovisual del director.
La cinta ha sido poco apreciada por la crítica y por los fieles seguidores de la serie, pero no por ello deja de ser imprescindible.
Su argumento gira en torno a la investigación del asesinato de la joven Teresa Banks y los últimos días de vida de Laura Palmer, una estudiante de secundaria, en la ficticia localidad de Twin Peaks.
Aunque su estreno supuso un fracaso después de la cancelación de la serie, Twin Peaks: Fuego camina conmigo es un filme hipnótico, feroz y, quizá, una versión más oscura y nutrida que la serie que contiene escenas memorables.
7. Carretera Perdida (1997)
Tras el fenómeno de Twin Peaks se estrena Carretera perdida. Un filme que se acerca al género de thriller psicológico con toques de cine negro. Esta vez la cinta convenció a la crítica, sin embargo, no destacó a nivel comercial.
Narra la historia de un músico de jazz, Fred Madison, y su esposa Renee. Su relación no pasa por su mejor momento y cree que su mujer lo engaña. Después es acusado de haberla asesinado.
Por otro lado, se presenta una historia paralela que tiene como protagonista a un mecánico (Fred Maddison), quien sostiene una aventura con una mujer que le es infiel a su pareja.
El cine de Lynch se caracteriza por su complejidad. Esta cinta viene a demostrar porqué sus películas se catalogan como cine de culto. Si sus primeras obras destacan por su influencia surrealista, en este filme se adentra en un mundo en el que impera el subconsciente y los mundos paralelos.
8. Una historia verdadera (1999)
A finales de la década de los 90, David Lynch daba un vuelco a su filmografía con una historia basada en hechos reales.
Su argumento gira en torno a un anciano, Alvin Straight, cuyo objetivo es recorrerse más de 400 millas montado en un cortacésped para reconciliarse.
Es una película que contiene un lenguaje visual muy atractivo en la que el paisaje se convierte en protagonista. También destaca por tener una estructura sencilla que descubre una historia tan emotiva como esperanzadora.
9.Mulholland Drive (2001)
Aunque fue pensada como piloto de una serie de televisión a finales de los años 90, finalmente acabó siendo una historia adecuada a la gran pantalla.
Se trata de la novena película del director y es, según la crítica, su mejor filme. Tanto es así, que fue condecorada como la mejor película del siglo XXI en una encuesta realizada por la BBC.
Betty Elms es una joven que quiere ser actriz y llega a Los Ángeles con la intención de cumplir su sueño. Allí vive con su tía y pronto conoce a Rita, una mujer enferma de amnesia.
Aparentemente parece una historia común, sin embargo, el director la usa como base para involucrar al espectador en un juego que supone una montaña rusa emocional.
Por otro lado, vuelve a mezclar el mundo de los sueños y la realidad, llegando incluso a hacernos reflexionar sobre si lo que acabamos de ver forma parte de la realidad o del mundo onírico. La respuesta solo aparece al final de la película.
10. Inland Empire (2006)
Es un thriller psicológico con una estructura compleja. Es una película inquietante y, como ocurre en la mayoría de las películas de Lynch, en el momento de su visionado no es fácil de entender.
Narra la historia de una actriz cuya percepción de la realidad se va distorsionando. Así, durante la película, aparecen escenas que parecen más propias del mundo del subconsciente divididas en diferentes niveles argumentales sin aparente conexión entre ellas.
Una cinta de casi tres horas de duración y una de las más indescifrables de su complejo universo cinematográfico.
Biografía de David Lynch
David Lynch nació el 20 de enero de 1946 en Montana (Missoula, EEUU). Su actividad artística no solo se ha desarrollado en el campo cinematográfico como director, guionista, actor y productor, sino que también se extiende en otras disciplinas como la música, la pintura o la fotografía. Es, sin duda, un artista con mayúsculas.
Hijo de un científico norteamericano y de una profesora, Lynch pasó una infancia tranquila en una familia da clase media. Durante su juventud mostró interés por la pintura, lo que le llevó a viajar a Europa para realizar estudios; sin embargo, pronto regresó a Estados Unidos sin concluirlos.
No fue hasta 1970 cuando Lynch decidió centrar su carrera en el séptimo arte con la película The Grandmother, su opera prima. A partir de ese momento, David se trasladó a Los Ángeles para recibir clases en el Americam Film Institute Conservatory.
Su obra ha estado muy ligada a corrientes como el surrealismo, de la que el propio director se declara admirador incondicional. También su cine ha bebido de artistas como Stanley Kubrick, Federico Fellini, el escritor Franz Kafka o el pintor Francis Bacon.
