16 pinturas surrealistas explicadas
El surrealismo fue un movimiento vanguardista que surgió en 1924 tras la publicación del Manifiesto surrealista de André Breton. Inspirado en el psicoanálisis, procuraba la representación del subconsciente en el arte por medio de la imaginación y el automatismo. A este movimiento se acogieron artistas como Salvador Dalí, Man Ray, Joan Miró y René Magritte.
Sin embargo, antes y después de esta vanguardia, lo surreal ha estado presente en muchos artistas que evocan el mundo onírico, la fantasía, la imaginación, las asociaciones ocurrentes y la improvisación.
Este artículo recoge una lista de 16 pinturas surrealistas, la mayoría de ellas inscritas en el movimiento. Se incluyen también algunas que, o bien han sentado un precedente, o bien han recibido su influencia.
1. La persistencia de la memoria, Salvador Dalí
El cuadro La persistencia de la memoria de Salvador Dalí es una referencia fundamental del surrealismo y, en particular, del trabajo de este pintor. Al fondo, vemos un paisaje que nos recuerda el trazo leonardesco. La luz es un elemento característico de Dalí. En el primer plano, los relojes blandos anuncian la relatividad del tiempo. El espacio también se relativiza por medio de luces contrarias. Una figura informe yace en la superficie del universo pictórico. Algunos ven en ella rasgos del rostro de Dalí.
2. Los elefantes, Salvador Dalí
Dalí sorprende en este lienzo por el protagonismo del vacío enmarcado por dos grandes elefantes de patas extremadamente finas y larguiduchas, como de insectos. Con ello, la fuerza asociada a estos animales se enfrenta a una paradoja. Sobre sus lomos, flotan dos obeliscos derruidos.
Se trata de una referencia a la escultura de Bernini de la Plaza de Minerva (Roma). Para los barrocos, el obelisco era un símbolo de sabiduría, y el elefante, era el símbolo de la robustez necesaria para cargar con ella.
En el lienzo daliniano, abajo, dos figuras antropomorfas lucen diminutas e insignificantes al lado de los portentos paquidermos.
3. Construcción blanda con judías hervidas (Premonición de la guerra civil), de Salvador Dalí
Construcción blanda con judías hervida o Premonición de la guerra civil es un lienzo particularmente conmovedor. Nos presenta un mismo cuerpo desgarrado en dos mitades que, aun así, parecen agredirse una a la otra. En el suelo se ve un puñado de judías hervidas (habichuelas o frijoles), quizá símbolo de la carestía que reinaba en España, quizá símbolo de lo "indigerible" del conflicto. Esta representación de un cuerpo desmembrado es la alegoría de la guerra civil.
Te puede interesar:
4. La traición de la imagen (Esto no es una pipa), de René Magritte
René Magritte juega en este lienzo con la teoría de los signos. Mediante el uso de imágenes y palabras, da cuenta de la inadecuación del signo a su referente: la pipa pintada en el lienzo no es una pipa verdadera, pero tampoco lo es la palabra "pipa". Imagen y palabra son solo representaciones que sustituyen la verdadera realidad. Da un golpe teórico al concepto del arte occidental, basado en la imitación de la naturaleza y se pone a las puertas del arte conceptual.
5. La lámpara filosófica, de René Magritte
En la composición dominan dos elementos: un hombre que fuma una pipa al mismo tiempo que esta se cierra sobre su nariz; y una vela encendida que se derrite abrazando una mesa.
La composición pareciera acusar la "autorreferencialidad del pensamiento". De acuerdo con la investigadora María Ángeles Arenal García, en su trabajo titulado Magritte, el cazador de las similitudes perdidas:
El fumador, que dirige al espectador una patética mirada de autocompasión, es claramente Magritte, que al denunciar la circularidad de su pensamiento nos revela indirectamente la fertilidad de su imaginación, que tiene el poder de transformar una vela en una forma ágil y mórbida y el acto de fumar en una metáfora de la indagación filosófica.
6. Hijo de hombre, de René Magritte
En Hijo del hombre, Magritte ha interpuesto una manzana entre el rostro del personaje y el espectador. La identidad del hombre permanece oculta. La manzana aparece recurrentemente en la obra de Magritte, unas veces asociada a "la idea" y otras como fruto del conocimiento y la libertad, así como el fruto bíblico que contiene el conocimiento del bien y del mal. El nombre de la obra, Hijo del hombre, es una referencia bíblica.
También te puede interesar:
- Pinturas para entender el misterio de René Magritte
- Surrealismo: características y principales artistas.
- Vanguardismo
7. La hora del observatorio - Los amantes, de Man Ray
Man Ray incursionó en el dadaísmo y el surrealismo. En esta obra, trabaja con los elementos eróticos en alusión al psicoanálisis freudiano. El lienzo toma la mitad de su nombre del servicio telefónico que proporciona la hora del Observatorio. En efecto, en la franja inferior vemos el observatorio que Man Ray decía contemplar a diario en sus paseos por los jardines de Luxemburgo. Suspendido en el cielo vemos un par de labios, alegoría de los cuerpos amantes unidos. Se subraya así la plenitud de la hora o el tiempo del amor.
8. Ecuación shakespeariana, La duodécima noche, de Man Ray
Man Ray presenta un lienzo inspirado en la comedia de Shakespeare La duodécima noche (Twelfth Night), obra conocida también como Noche de reyes. Asocia objetos sin relación aparente entre sí, y crea hilos complejos, tal como las relaciones de los personajes shakespearianos.
Entre esos objetos sobresalen un huevo de avestruz y un objeto fálico que son, a la vez, referencias a otras obras de Ray. El pintor subraya la interreferencialidad con este gesto, tanto en la relación literatura y pintura, como en la pintura misma.
9. Yo y la aldea, de Marc Chagall
Marc Chagall no puede ser circunscrito a un movimiento específico. Su obra puede ser considerada, hasta cierto punto, como un antecedente del surrealismo en la medida en que está dotada de elementos oníricos e imaginativos. En este lienzo, un rostro verde contempla una vaca, símbolo materno. La escena se completa con referencias al orden cotidiano de la infancia, entretejidas en una atmósfera onírica y colorida.
10. Paisaje catalán (El cazador), de Joan Miró
Joan Miró es considerado uno de los más importantes artistas del surrealismo gracias a la particularidad de sus métodos y estilo. Esta obra destaca por el proceso de síntesis gráfica de los elementos. Entre ellos, un campesino o cazador catalán que ha sido resumido en sus atributos: un triángulo con un ojo, bigote y barba, una pipa, una oreja y una barretina.
El resto de los elementos nos da cuenta de un paisaje catalán árido y, en la parte inferior, referencia la tradición catalana conocida como el entierro de la sardina.
También te puede interesar: Joan Miró: 20 obras claves explicadas.
11. ¡Mamá, papá está herido!, de Ives Tanguy
Ives Tanguy fue parte del círculo de André Breton, y fue considerado un surrealista abstracto.
En este lienzo, presenta una escena desolada con figuras dispersas y desproporcionadas entre sí, que llaman aún más nuestra atención al considerar el título: "¡Mamá, papá está herido!". Este juego entre las palabras y la obra pictórica crea un estado mental distinto en el observador, que no encuentra en el lienzo elementos de los que asirse, al menos no en una lectura rápida.
12. Los invisibles, de Yves Tanguy
Tras la Segunda Guerra Mundial, Tanguy se fue a vivir a EE.UU. Influido por los estilos y colecciones que conoció, comenzó a implementar figuras con partes biomórficas y partes mecánicas sobre espacios, como en este lienzo. Las figuras, cual fantasmagorías, se erigen sobre un espacio vago e inerte. De acuerdo con los expertos, estas figuras evocan la preocupación de los surrealistas en aquel período por los seres de otro mundo, fenómeno que carece de explicación racional.
13. Autobiografía de un embrión, de Eileen Agar
Eileen Agar es una artista británica. En esta obra, la artista toma en cuenta los postulados del movimiento surrealista. Divide el lienzo en cuatro partes y cuela en ellas reminiscencias del arte griego. También veremos alusiones al arte africano, al Renacimiento, es fin, toda una evocación del patrimonio cultural, según lo define el Tate Modern de Londres, protector de esta pieza. También vemos figuras que parecen células y elementos del mundo biológico.
14. Cadáver exquisito
Los surrealistas practicaban frecuentemente una técnica llamada "cadáver exquisito", tomada de la literatura.
Un cadáver exquisito consiste en lo siguiente: una persona hace un dibujo espontáneo (autómata) en un segmento del papel. Hecho esto, pliega el papel para ocultar el dibujo y lo pasa a otro participante, quien debe hacer lo mismo en el segmento siguiente. Al final, el papel es desplegado, y se revela una pieza con múltiples figuras que, puestas entre sí, develan los mecanismos del subconsciente.
Este ejemplar que presentamos tiene elementos característicos de la pintora y bailarina Valentine Hugo, que usaba fondos negros. Pero se trata de una pieza colectiva, en la que participaron diferentes personalidades como André Breton.
15. Ojos sobre la mesa, de Remedios Varo
Remedios Varo es una pintora hispano-mexicana fuertemente influenciada por el surrealismo. En esta pintura vemos el juego imaginativo que separa los ojos de sus gafas con pestañas. Los elementos se encuentran sobre una tabla que flota sobre una superficie de aspecto gramíneo poco denso. Los ojos parecen mirar desde fuera los instrumentos que deberían corregir sus defectos. Entretanto, el espectador ve unas gafas irreales, cuyas pestañas adosadas juegan con el sinsentido espacial.
16. Bordando el manto terrestre, de Remedios Varo
Bordando el manto terrestre es el panel central de una obra de Remedios Varo que forma parte de un tríptico. Este se completa con las escenas conocidas como Hacia la Torre y La Huída. Aparentemente, la escena alude al tiempo en que Remedios Varo tejía en el convento mientras alguien más leía. El hilo brota de una fuente misteriosa al centro de la composición. El tejido se escapa de los límites de la torre e impregna el mundo con su capacidad creadora.
Ver también:
