Vanguardias artísticas: qué son y los principales movimientos
Las vanguardias artísticas son los movimientos de la primera mitad del siglo XX que revolucionaron las artes plásticas occidentales (pintura y escultura). Algunos de estos movimientos se expresaron también en el diseño gráfico, industrial y arquitectónico.
Las vanguardias fueron experiencias grupales más o menos organizadas, en las cuales los artistas suscribían una misma agenda estética e ideológica. Por eso, varios movimientos tuvieron manifiesto escrito. Entre ellos, el expresionismo, el futurismo, el suprematismo, el dadaísmo, el neoplasticismo y el surrealismo.
Todo se enmarcaba en una época que, abrazada al progreso científico e industrial, también quería que el arte «progresara». Este impulso transformador respondió en parte a la violenta modernización del siglo XX, que contrastaba radicalmente con el conservadurismo de la academia artística, todavía atada a la tradición plástica.
Veamos cuáles son los movimientos de vanguardia en el arte en la siguiente línea de tiempo:
- 1904. Fovismo.
- h. 1905. Expresionismo.
- 1907. Cubismo.
- 1909. Futurismo.
- 1910. Abstracción lírica.
- h. 1914. Constructivismo.
- 1915. Suprematismo.
- h. 1916. Dadaísmo.
- 1917. Neoplasticismo o De Stijl.
- 1294. Surrealismo.
En este artículo compartiremos las características comunes de las vanguardias artísticas, en qué consiste cada una y cuál fue el contexto histórico que las hizo posibles.
Características de las vanguardias artísticas
Las vanguardias artísticas fueron muy diversas, aunque muchas de ellas colaboraron entre sí con libertad. Todas compartían el mismo espíritu, a partir del cual es posible delimitar características comunes, tales como la rebeldía, el rupturismo, la libertad de expresión, el interés por temas actuales y el rechazo de la burguesía. Veamos.
- Espíritu de rebeldía con respecto a la academia artística. Los artistas consideraban que la academia estaba de espaldas a los nuevos tiempos y la libertad creativa.
- Cuestionamiento de la imitación de la naturaleza. Para los nuevos artistas, el significado en las artes plásticas no estaba regido por el parecido con la realidad ni con el contenido de la escena. Por eso se rebelaron contra el principio de imitación de la naturaleza en el arte.
- Ruptura con el ideal clásico de belleza. Los vanguardistas supieron encontrar una estética valiosa en la fealdad y lo grotesco.
- Ejercicio de la libertad de expresión por medio del arte. Los nuevos tiempos preconizaban la libertad expresiva, y el arte debía ser tribuna para ese ejercicio de pensamiento.
- Deseo de expresar los temas y preocupaciones del sujeto contemporáneo. Las preocupaciones del ser humano contemporáneo no aparecían en el arte académico, así que los vanguardistas le dieron representatividad.
- Rechazo de la confiscación simbólica del arte por parte de la burguesía. Los vanguardistas lamentaban que el arte se limitara a representar los intereses de la clase burguesa.
Fovismo o fauvismo (Francia, 1904-1908)
El fovismo (fauvismo) se propuso liberar el instinto pictórico por medio de la exaltación violenta del color. Rechazaba tanto los discursos racionalistas como el sentimentalismo en el arte. Se empeñaba, más bien, en buscar la expresión más «salvaje» del artista, es decir, la menos intervenida por la «civilización». Por eso, el crítico Louis Vauxcelles los bautizó como fauvistas, vocablo proveniente del francés fauve, que significa ‘fieras’.
En términos generales, el fovismo se caracterizó por:
- Exaltación del color como elemento de expresión fundamental.
- Impulsividad creativa expresada en trazos sueltos y espontáneos.
- Despreocupación por el modelado del dibujo y la perspectiva.
- Abandono del trabajo al aire libre.
- Desarrollo de temas como el paisaje, el retrato y escenas interiores.
Los principales representantes del fovismo fueron Henri Matisse, André Derain, Mauricio de Vladminck y Raoul Dufy.
Puedes profundizar en: Fauvismo, Henri Matisse: 5 obras para entrar a su mundo de color
Expresionismo (Alemania, h. 1905-1930)
El expresionismo tiene sus antecedentes a finales del siglo XIX, gracias a la obra de artistas como Edvard Munch. Sin embargo, solo adquirió la forma de movimiento hacia 1905, cuando se formaron los grupos Die Brücke (El puente, 1905) y Der Blaue Reiter (El jinete azul, 1911). Estos grupos se disolvieron con la Primera Guerra Mundial. Al finalizar esta, se formó la Nueva Objetividad o Neue Sachlichkeit.
El movimiento expresionista se caracterizó por su perspectiva crítica sobre la realidad; la reflexión sobre la esencia del sujeto contemporáneo; la exaltación de los sentimientos (especialmente los de disconformidad, temor y angustia) y el rechazo a la idealización.
En la práctica, el movimiento expresionista se concretó en las siguientes características:
- Gusto por las formas oblicuas o angulosas.
- Uso expresivo del color y de la perspectiva.
- Aplicación de técnicas violentas.
- Deformación de las figuras.
- Temas existenciales, como la muerte, la enfermedad, la locura, la culpa y la sexualidad.
Sus máximos representantes fueron:
- Por el grupo Die Brücke: E. L. Kirchner, E. Heckel, K. Schmidt-Rottluff, Emil Nolde, Max Pechstein y Otto Müller.
- Por el grupo Der Blaue Reiter: Franz Marc, August Macke, Heinrich Campendonk; Paul Klee y Wassily Kandinsky.
- Por el grupo Neue Sachlichkeit: Otto Dix y George Grosz.
Ver más a fondo en: Expresionismo: características, representantes y obras
Cubismo (1907-1914 aproximadamente)
El cubismo fue un movimiento de vanguardia nacido en Francia. No tuvo manifiesto propio. Aun así, su programa se fundaba en representar las cosas como el cerebro las capta racionalmente, y no apenas como son percibidas por los sentidos. Por ello, el cubismo analiza, descompone y sintetiza las figuras hasta los límites de la geometrización.
Las características del cubismo al nivel plástico se pueden resumir de la siguiente manera:
- Síntesis gráfica.
- Tendencia a la geometrización.
- Superposición de diferentes planos en uno solo.
- Introducción de técnicas no pictóricas en el lienzo, como el collage.
- Preferencia por el bodegón y la figura humana como objetos de análisis cubista.
El movimiento cubista duró poco, aproximadamente una década. Durante ese período, se distinguen varias etapas:
- Cubismo primitivo (1907-1909). Inspirado en Cézanne, reducía las formas a sus volúmenes esenciales.
- Cubismo analítico (1910-1912). Descomponía los volúmenes en planos superpuestos y se desinteresó por el color.
- Cubismo sintético (1913- 1914). Retomó el color y trabajó texturas por medio del collage.
Sus principales representantes fueron Pablo Picasso, George Braque y Juan Gris.
Te puede interesar: Cubismo: características, representantes y obras.
Futurismo (Italia, 1909)
El futurismo nació con el publicación del manifiesto futurista en 1909, escrito por el poeta Fillippo Marinetti. Veía con entusiasmo el triunfo de la era de la máquina y, sobre todo, de la velocidad. Acompañaba con ferviente admiración el desarrollo de la industria automovilística, aeronáutica y bélica. Celebraba la violencia y creía en la guerra como un camino para la depuración de la humanidad. Por eso, a diferencia de otras vanguardias, el futurismo fue cercano a la extrema derecha.
El movimiento futurista se caracterizó por:
- Deseo de representar la velocidad en las composiciones plásticas;
- Continuidad espacial;
- Estudio de la cuarta dimensión en el arte (el tiempo);
- Exaltación del patriotismo y la violencia;
- Aprovechamiento de recursos provenientes del cubismo, del divisionismo y la fotografía.
- Sentido de ritmo visual y dinamismo;
- Coloración vibrante.
Los representantes más destacados del futurismo fueron los artistas Umberto Boccioni, Giacomo Balla y Carlo Carrà, entre otros.
Ver también Futurismo: características, representantes y obras
Abstracción lírica (Rusia, 1910)
Conocida también como abstracción informal o emotiva, la abstracción lírica fue el primero de los movimientos pertenecientes al abstraccionismo. Rechazó por completo la figuración y exaltó la validez del lenguaje plástico como vehículo para exteriorizar el mundo interior del sujeto.
La abstracción lírica desarrolló las siguientes características:
- Ausencia de figuración.
- Protagonismo y autonomía de línea, punto, color y composición.
- Búsqueda del ritmo y la armonía visuales.
- Licencia para la improvisación.
El primer exponente de la abstracción lírica fue Vasily Kandisnky, a quien luego se sumaron Paul Klee y Robert Delaunay en la primera generación.
Pero si bien la abstracción lírica inicia como una vanguardia concreta en 1910, inauguró toda una corriente artística en la que actualmente se inscriben diferentes tendencias del siglo XX. Entre ellas, el rayonismo (h. 1912), el gestualismo o action panting (h. 1945), el expresionismo abstracto (h. 1950), el neoexpresionismo (h. 1980) y la pintura salvaje (h. 1980).
Estas tendencias incorporaron técnicas como el dripping (pintura chorreada), el grattage o esgrafiado (capas de pintura rasgada) o el frotagge (pintar sobre objetos rugosos para obtener texturas) y el collage.
Más en: Arte abstracto: características, representantes y obras, Kandinsky y el arte abstracto: 11 obras esenciales
Constructivismo (Rusia, 1914)
El constructivismo es una vanguardia inscrita en el abstraccionismo geométrico. Aplica los principios compositivos del diseño arquitectónico, particularmente la geometría espacial y el estudio de los materiales en la pintura, la escultura, el diseño gráfico y el diseño industrial. De algún modo, representa la fe en un ciclo de cambio histórico, y estaba comprometido con la construcción del progreso de la nueva era industrial.
Entre las principales características del constructivismo destacan:
- Uso de la geometría espacial.
- Pretensión de simultaneidad entre tiempo, espacio y luz.
- Uso de líneas puras.
- Rechazo de la ornamentación.
- Uso de materiales simples, como madera y metal, y otros asociados al progreso, como el plástico.
Entre sus principales representantes se encuentran El Lisitsky, Vladimir Tatlin y Alexander Rodchenko.
Suprematismo (Rusia, 1915)
Poco después del constructivismo, aparece el suprematismo, postulado a través del manifiesto suprematista escrito por Kazimir Malevich. El suprematismo pretendía expresar la subjetividad pura mediante el uso de recursos geométricos.
A diferencia del constructivismo, el suprematismo solo se interesa en la geometría plana, y desecha la profundidad espacial. No se interesaban tampoco en el discurso social. Fue proscrito en Rusia cuando los bolcheviques impusieron el realismo social en el arte y rechazaron las expresiones del arte abstracto, considerado muy intelectual. A pesar de ello, los movimientos de la abstracción rusa fueron muy influyentes en el diseño contemporáneo.
Entre las principales características del suprematismo podemos mencionar:
- Buscaban una representación no objetual del universo, una supremacía de la nada.
- Uso de la geometría plana, preferentemente el cuadrado, el rectángulo y el círculo.
- Al principio, usa una paleta reducida de colores. Luego se amplía.
- No trabaja la profundidad.
Entre los principales exponentes del suprematismo podemos mencionar a Kazimir Malevich, su fundador, Olga Rozanova y Liubov Popova.
Dadaísmo (Suiza, h. 1916)
El dadaísmo fue un movimiento de vanguardia nacido en el contexto de la Primera Guerra Mundial. Es fruto del desencanto frente a la belle epoque y la percepción de fracaso de los grandes relatos occidentales, como el racionalismo y el progreso. Se consideró más bien un anti-arte, pues se oponía a la instrumentación del arte al servicio de los intereses burgueses.
Entre las principales características del dadaísmo podemos mencionar:
- Crítica contra el racionalismo y la ideología del progreso occidental.
- Exaltación de lo absurdo.
- Valoración del gesto artístico por encima del objeto.
- Carácter provocador.
- Introducción del fotomontaje, el ready-made y uso de otras técnicas como el collage.
- Carácter interdisciplinario.
Entre sus máximos representantes podemos mencionar a Mancel Duchamp, Jean Arp, Man Ray y Hans Richter.
Profundiza en Dadaísmo: características, representantes y obras
Neoplasticismo o De Stijl (Países Bajos, h. 1917)
El neoplasticismo se conoció también como De Stijl, nombre de la revista del movimiento. El manifiesto De Stijl fue suscrito por los artistas Theo Van Doesburg, Piet Mondrian, Bart an der Leck y J.J.P. Oud. Se proponía crear una obra de arte que se concentrara en la valoración de elementos plásticos puros, e introducir al público en esta narrativa.
Este movimiento quería prescindir de la palabra, a la que veían vacía e incapaz de crear sanas transformaciones sociales. Así, dirigían la atención a la plástica, con la expectativa de construir un lenguaje universal. Para lograrlo, usaron la geometría plana, llevada nuevos límites.
Entre las principales características del neoplasticismo, podemos mencionar las siguientes:
- Uso de la geometría plana, especialmente de las líneas perpendiculares, gracias a lo cual predominan el cuadrado, el rectángulo y las cruces.
- Reducción de la paleta de colores, casi siempre colores primarios o neutros.
- Aspiración a la universalidad.
- Orden, equilibrio y optimismo.
Los principales exponentes del neoplasticismo son los mismos Theo Van Doesburg, Piet Mondrian, Bart an der Leck y J.J.P. Oud.
Surrealismo (Francia, 1924)
El surrealismo es una de las vanguardias más conocidas y valoradas. Fue creada en el período entrebélico, en 1924, tras la publicación del manifiesto surrealista de André Breton. Se basada en los conceptos tomados del psicoanálisis, especialmente de la idea del inconsciente. Por esta razón, su proceso creativo por excelencia fue el automatismo puro.
En las artes plásticas, el surrealismo se caracterizó por:
- Automatismo como principio generador de ideas.
- Construcción de sentido a partir de imágenes aparentemente incongruentes.
- Gusto por las imágenes oníricas e inverosímiles.
- Introducción de técnicas como el frottage, la decalcomanía y el cadáver exquisito.
- Uso de técnicas dadaístas como el fotomontaje y el ready-made (objeto encontrado).
Entre los artistas más influyentes del surrealismo podemos mencionar a Man Ray, Marx Ernst, René Magritte, Salvador Dalí y Joan Miró, entre otros.
Para más información, ver: Surrealismo: características, representantes y obras
Contexto histórico de las vanguardias artísticas
La lucha contra el academicismo artístico había tenido sus antecedentes en el impresionismo y el postimpresionismo del siglo XIX con sus nuevos enfoques sobre el color. Pero los vanguardistas querían ir aún más lejos.
El contexto histórico estaba marcado por el imperialismo de Europa hacia África y Asia, que facilitaba la importación de mercancías exóticas. Estas despertaban el interés de los artistas. También estaba marcado por el progreso científico y el avance de la segunda revolución industrial (avión, cinematógrafo, automóvil, telégrafo y más). Estos aspectos formaron el espíritu entusiasta y progresista de la belle epoque, que pronto sería derribado.
La respuesta de los artistas a este contexto fue muy diversa. Algunas vanguardias desconfiaban del progreso, otras lo veían con entusiasmo. También hubo las que simplemente evadieron la realidad. Lo cierto es que el vanguardismo se convirtió en una tendencia del siglo XX.
El vanguardismo antes y después de las guerras mundiales
Todos los artistas del siglo XX querían revolucionar las artes, pero no todos tuvieron el mismo punto de partida. La segunda guerra mundial dividió el siglo y su espíritu a la mitad. Por eso, algunos autores distinguen dos períodos de las vanguardias en el campo de las artes plásticas:
- las vanguardias históricas, que reune a todas aquellas formadas antes de la Segunda Guerra Mundial (desde el fauvismo hasta el surrealismo);
- las segundas vanguardias, formadas después de la guerra. Por ejemplo, expresionismo abstracto, arte pop, happening y performance, arte cinético, arte conceptual, etc.
Sin embargo, fueron las vanguardias históricas las que abrieron el camino a las demás y promovieron el cambio de curso de la historia del arte. La segunda ola aprovechó la libertad conquistada por sus predecesoras para llevar el concepto del arte a su límite.
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Los límites de las vanguardias históricas
Las vanguardias artísticas se propusieron expresar los nuevos tiempos, para lo cual vieron necesario imitar el progreso científico, en el que el cambio es una constante. Sin embargo, algunos autores consideran que sus fines no fueron alcanzados, aunque obtuvieron otros logros.
Por ejemplo, el historiador Eric Hobsbawm sostiene que las vanguardias históricas fallaron en varios sentidos. Primero, no comprendieron que el progreso no es aplicable al arte. Segundo, en la era del cinematógrafo y la fotografía, continuaron pensando en la obra pictórica como cuadros de caballete. Por último, su rupturismo no les permitió consolidarse en el interés popular.
A pesar de la opinión de Hobsbawm, las vanguardias históricas ejercieron una enorme influencia en el mundo por caminos inadvertidos. Por ejemplo, en el diseño y la cultura visual de la era contemporánea.
La influencia de las vanguardias históricas
Abajo: sillas de G. Rietvel. Logo de la Bauhaus de O. Schlemmer. Casa Rietveld Schröder de G. Rietvel.
Las vanguardias artísticas tuvierion gran impacto en la cultura del diseño gráfico, publicitario e industrial de principios de siglo, a los que proveyeron de un lenguaje nuevo y muy efectivo. Muchos artistas de vanguardia trabajaron como diseñadores gráficos e industriales.
Parte de ese pujante movimiento creativo los llevó a ser profesores en la Staatliche Bauhaus, un proyecto educativo nacido en Alemania después de la primera guerra mundial. La Bauhaus participaba en la reconstrucción de Europa desde el diseño, proveyendo nuevos valores estéticos, siempre subordinados a la funcionalidad.
Gracias a ello, artistas como Walter Grupius, El Lissitsky, Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, por solo nombrar algunos, compartieron sus conocimientos en la Bauhaus y revolucionaron el concepto del diseño.
Las vanguardias revitalizaron la escena del arte e inspiraron una cultura de innovación, originalidad y creatividad. Hoy forman parte de nuestra cultura visual y artística.
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